Não é nenhum mistério o porquê colocamos escalas humanas em nossas visualizações de projetos. Pessoas são o caminho mais rápido para uma conexão emocional. Com as indicações visuais certas, você pode evocar sentimentos profundos, transformando uma simples imagem em uma fonte de admiração ou aspiração. Nas visualizações arquitetônicas, tentamos moldar esses sentimentos, trabalhando com as percepções que a maioria de nós compartilha. Enquanto todos nós somos criaturas de circunstâncias, usando nosso conhecimento experiencial para nos guiar cotidianamente, muito do nosso condicionamento faz o mesmo. É por isso que é tão importante considerar como você usa as escalas humanas ao criar visualizações de seus projetos.
As escalas são seus guias visuais, alertando o espectador para a história ou sentimentos que você deseja transmitir. Às vezes, essa história é de uso, uma explicação de como alguém interage ou se move através de um espaço. Outras vezes, é um pouco mais abstrato. Qualquer que seja a direção, a arte de incluir escalas é realmente um estudo de composição, condicionamento e narrativa. Quanto mais você souber sobre cada tópico, melhor será a sua imagem - especialmente quando você tiver um pedido complicado do cliente.
Nesta parte, gostaria de mostrar a você como abordamos o assunto na Kilograph. Como nossas origens são diversas - artistas, arquitetos, especialistas em marcas e técnicos de realidade virtual - estamos constantemente discutindo sobre como fazer as pessoas se destacarem, do ponto de vista psicológico e estético. Aqui está o que já descobrimos.
Escolha um estilo
Acima, aludi aos dois tipos de visualização: imagens de uso e editoriais. As imagens de uso são bastante auto-explicativas, frequentemente é o que os clientes pedem quando querem uma imagem ou animação de você. Permite que você remova as incógnitas de uma visualização, contando com apresentações claras dos atributos de um ambiente para realizar o trabalho pesado. Isso pode ser especialmente útil em projetos autorais, onde o destino de um bairro está na balança. Mostrar essas ciclovias ou uma família na grama pode ser realmente reconfortante, especialmente quando apresentado de forma positiva.
Para o editorial, por outro lado, você está tentando chamar a atenção, ser atraente, de uma forma que nem sempre prioriza o espaço em primeiro lugar. A maioria das empresas olha para os elementos da moda, centralizando a imagem em fantasias ou adereços para criar um clima. Esses sentimentos subjacentes, que se conectam a uma ideia maior da marca de um edifício, são o que você está buscando em um esforço editorial. Então, se você tiver uma boa ideia, um resumo aberto e um público-alvo que responda a alguma criatividade, esse caminho pode ser muito divertido.
Construa uma narrativa
Há uma razão pela qual ainda estamos falando sobre a Odisseia, de Homero: boas histórias ficam com você. Com as escalas, você pode contar narrativas visuais sem palavras, usando a apresentação certa de pessoas para manter alguém examinando a imagem.
Recentemente, fizemos um projeto para The Coloradan, um projeto residencial em Denver. Nosso objetivo era fazer com que as comodidades desse condomínio parecessem um pouco mais vivas. Por exemplo, em uma ilustração, o espectador é lançado em uma festa de aniversário de uma criança de quatro anos, cheia de pais conversando e crianças pelo local. Pense em todos os elementos em jogo aqui: famílias, reuniões, união, tudo dentro de uma sala de eventos. Os adultos parecem bem-sucedidos, as crianças parecem, talvez, de classe média a média alta, e todos parecem confortáveis. Tudo está de volta à marca do prédio e aos tipos de pessoas que eles queriam atrair - os blocos certos, inseridos de maneira atraente, pode fazer isso. E como os humanos carregam anos de condicionamento social, uma imagem como essa pode chegar lá em nanossegundos.
Outra coisa a considerar é como as diferentes partes de uma imagem, incluindo todas as mini-histórias, relacionam-se entre si. Muitas vezes colocamos a narrativa em primeiro plano. Se é onde os olhos da maioria das pessoas vão primeiro, é aí que você deve colocar sua história. Cada parte da imagem deve expandir ou complementar essa história de alguma maneira. Por exemplo, se eu lhe mostrasse uma imagem de um museu, você esperaria ver pessoas olhando para uma pintura. Mas geralmente é inteligente pensar no que mais eu (ou o cliente) quer que você veja. E se eles tiverem exposições específicas que sejam interativas? Você pode inserir um grupo interagindo com elas em segundo plano. E talvez para o lado, você coloca alguém tomando um gole de água, fazendo um intervalo necessário. Juntos, esses personagens criam uma narrativa em várias camadas; A chave é descobrir como garantir que suas histórias de fundo não concorram ou tirem muito da principal. Os humanos só podem processar um tanto de informações, por isso é sempre melhor servir ao seu conceito principal sobre todo o resto.
Use bibliotecas exclusivas
Quando os clientes vêm até nós, eles querem algo único. A maneira mais rápida de parecer comum é começar a preencher suas visualizações com um monte de escalas humanas que eles já viram antes. É por isso que criamos nossas próprias bibliotecas de blocos, usando uma tela verde e modelos que contratamos para o trabalho. Isso remonta ao que eu estava dizendo sobre marca; certas pessoas vão evocar certos tipos de sentimento no espectador. A transmissão permite que uma agência como a nossa, que geralmente lida com marcas e visualizações de todos os tipos, tenha o mais alto nível de controle.
Um dos nossos novos brinquedos favoritos para este processo é o ARKit, da Apple, pois nos permite alinhar modelos com nossos ambientes 3D. Você apenas segura um iPad e verifica os ângulos no set, o que economiza muito tempo no post.
Componha e insira
Então agora você tem seus personagens, você tem sua história. Qual é a próxima tarefa? É hora de considerar a inserção e a integração de sua cena - o que, reconhecidamente, não é tarefa fácil, já que essas decisões podem impactar diretamente na percepção da arquitetura. O posicionamento das escalas pode fazer com que um espaço pareça grande ou pequeno, espaçoso ou estreito, ou até mesmo destacar os principais elementos do projeto (ou ocultar um aspecto não resolvido do mesmo).
Para ilustrar isso, vamos analisar uma ilustração que fiz para um escritório imaginário em Malibu.
Há duas histórias operando em conjunto aqui: um escritório em crise e alguns surfistas a caminho da praia. Supõe-se que a justaposição seja divertida, mas observe como outras considerações composicionais importantes estão em jogo, como uma visão clara do oceano, uma sensação de espaço e o uso de simetria, o que é agradável aos olhos.
Antes: Sem as pessoas, você fica com um desenho aberto e acolhedor que permite que o olho do espectador percorra sem obstáculos.
Depois: Introduzir as pessoas, história diferente. Você perde sua linha de visão em móveis específicos ou elementos arquitetônicos, portanto, a colocação é importante. Mas o que você ganha é narrativa, e isso é melhor que uma sala aberta.
Áreas ativas X passivas: Ao considerar a inserção, você deve pensar em como um espaço deve funcionar. Por exemplo, onde é permitido o movimento? Você não teria alguém correndo entre as mesas, pois isso criaria tensão e sentimentos de caos em uma área que deveria ser para trabalho colaborativo e tranquilidade. Nesta imagem, as cadeiras funcionam como um ponto de encontro ativo para as pessoas, o que faz sentido em um ambiente de escritório.
Atores: Em seguida, você desejará definir o número de pessoas, sua função e uma hierarquia, pois definirá um caminho para sua posição e escala. Neste caso, a história principal (o drama do escritório em azul) é definida no meio-termo, dando-lhe o mesmo nível de importância que a arquitetura. A escala, o posicionamento corporal e a localização das pessoas desempenham um papel fundamental. Tendo os principais atores posicionados juntos no centro do quadro, você deixa espaço para contar uma história secundária (os surfistas em verde) e espaço para a arquitetura. Se os atores principais estivessem muito próximos da câmera, eles chamariam muita atenção.
Composição: se você analisar essa cena, verá que ela é equilibrada, simétrica e em uma orientação de paisagem com uma perspectiva de ponto principal. Quando você trabalha com decisões de composição como essa, cria uma estrutura que ajuda na inserção. Por exemplo, se você sabe que quer simetria, não coloque seus atores principais em uma posição descentralizada. Isso faria com que toda a imagem parecesse desequilibrada.
Finalmente, quando sobrepomos todos os diagramas de análise de uma vez, podemos ver tudo o que precisamos saber sobre a composição de onde a ação principal e movimento estão acontecendo, como a simetria é quebrada pela história principal, como a história secundária contrabalança esse movimento. Cada peça serve à outra, criando um visual dinâmico e agradável para o espaço.
Alguns outros pontos que valem a pena considerar durante a composição:
O caminho: Toda imagem tem um caminho visual que orienta o olhar do observador. Mas alguns são melhores que outros. Ao considerar a inserção, leve em consideração o que você deseja que o observador veja. Se você quiser chamar atenção para uma área, o agrupamento ajuda. Se você quer que eles descubram o espaço e a narrativa de uma maneira ordenada, então disperse seus atores, colocando mais foco nas áreas que você quer destacar.
A linha do horizonte: suas escalas estão acima ou abaixo dela? Essa linha afetará tremendamente a percepção de alguém sobre a escala e a proporção de seu pessoal. Você também pode usá-la como um indicador para garantir que uma pessoa esteja alinhada e misturada adequadamente com os elementos ao redor.
A câmera: A distorção da lente é um fator importante a ser percebido no mundo da fotografia. Pode fazer ou quebrar nossas imagens como artistas. A distorção pode mudar a perspectiva, fazendo com que objetos ou pessoas pareçam desproporcionais se não forem equilibrados corretamente.
As diretrizes: Você está incorporando as regras clássicas de composição: a regra dos terços, a proporção áurea, etc?
Evoque emoções
Enquanto todos os seres humanos estão programados para examinar, nem tudo pode ser reduzido à biologia ("Eu vejo perigo", "eles parecem legais", etc). Condicionamento cultural desempenha um papel enorme também. O que é importante considerar com as escalas humanas é como o público-alvo se sente sobre estética, aparência, cores, roupas, etc. Tudo pode desencadear alguém, então você quer estar consciente do que está criando, e o espectador fica se sentindo bem ou intrigado com o que você está mostrando. Aqui estão algumas coisas para prestar atenção:
Expressões faciais / linguagem corporal: os rostos combinam com o humor? Os gestos combinam com os rostos? Muitas vezes estamos nos protegendo contra a superatividade em nossas fotos. Os observadores podem detectar rapidamente um sorriso falso ou um gesto exagerado, e eles também não gostam disso. Garantir que o visual seja sinônimo do sentimento é extremamente importante. Contexto também é importante. Quando criamos imagens para Frank Gehry’s Ascend, um espaço de trabalho criativo, incluímos uma mistura de gestos que faziam sentido na situação, desde a maneira como alguém confortavelmente se inclina para trás com as mãos nos quadris durante um bate-papo improvisado, até a maneira como outra pessoa folheia uma revista em um intervalo. Os gestos escolhidos devem estar de acordo com as expectativas do espectador. E todos nós temos pensamentos sobre como diferentes situações ou ambientes devem funcionar.
Idade: em algumas culturas, isso é respeitado. Nos EUA, não tanto. A idade pode ser associada a tudo, desde a maturidade até a superação, o que significa que é um dos identificadores mais rápidos para a intenção da marca. Se vinte e poucos anos estão se misturando com setenta e poucos anos, o que isso diz sobre um espaço? Se a visualização é pesada para crianças, o que isso quer dizer? A faixa etária pode mudar completamente a sensação de uma imagem, então tudo se resume à narrativa. Quem pertence lá e quem tem prioridade? Quais são os preconceitos e quais são as expectativas? Considere as normas e trabalhe a partir daí.
Cores: Há uma razão pela qual o azul é considerado reconfortante. Ou por que os carros vermelhos conseguem mais ingressos (atraentes para os olhos). Há estudos inteiros sobre esse assunto, e você deve lê-los, mas para nossos propósitos considere isto: as cores carregam o humor, chamam a atenção e dizem aos seus olhos para onde ir. Lembre-se disso quando estiver inserindo suas escalas. Se o seu personagem A precisar se destacar, não dê o vermelho para outro grupo. Isso rouba o herói.
Considere o futuro
Cidades pensam grande. Tão grande que há projetos para 50 anos no futuro, especialmente quando envolvem serviços centrais como transporte ou infraestrutura. Então, como nós, artistas de visualização, trabalhamos com uma lacuna como essa? 50 anos é muito tempo.
Quando traçamos o futuro, olhamos para tendências, trajetórias e o que não está sendo usado atualmente no mundo, especialmente na rua. O que está nas passarelas nem sempre está por aí, mas pode ser daqui a 50 anos. Ou considere o Google Glass. Não funcionou, mas a ideia de alguma forma de óculos tecnológicos é provável que venha ocorrer em breve. No final do dia, as pessoas que você escolhe devem parecer naturais dentro do ambiente. É divertido ter um aspecto espacial, mas se isso não passar no teste de verificação, não estará correto. E parecer bem é o objetivo. Se a apresentação não é crível, o projeto é discutível e a conexão emocional é desperdiçada. Ou, pensado de outra maneira, você terá uma emoção... mas não a que você quer passar.
Fredy Castellanos é diretor de arte e sócio na empresa Kilograph em Los Angeles.
